Цвет в цифровой живописи

 

Сегодня мы снова погрузимся в тайны цвета: как выбрать палитру, создать гармонию и сделать так, чтобы ваши работы заиграли новыми красками. Цифровая живопись — это целый мир возможностей для самовыражения и экспериментов. Будь то яркие акценты, мягкие переходы или глубокие контрасты — цвет становится тем ключом, который открывает двери в безбрежные просторы творчества.

И да, будет много практики и примеров, так что готовьтесь не только узнать что-то новое, но и применить новые знания в деле.

  Работа студентки Аллы Ходюшиной, курс Цифровая живопись  

Зачем нужен цвет в цифровой живописи?

 

Цвет в цифровой живописи играет ключевую роль, превращая простые формы и линии в выразительные, живые изображения. Он помогает создавать атмосферу, передавать эмоции и выделять важные элементы композиции. Цвет позволяет художнику управлять восприятием зрителя и акцентировать внимание на нужных частях картины. Важно понимать, как цвет взаимодействует с освещением, формами и текстурами, чтобы создать гармоничную и впечатляющую работу. В цифровой живописи цвет — это не только эстетика, но и мощный инструмент сторителлинга и визуальной коммуникации.

 

Шаг 1: Анализ референсов

Прежде чем начать работу, найдите референсы. Это могут быть фотографии, кадры из фильмов или картины других художников.

Анализировать работы других художников важно, но не для того чтобы скопировать чужие идеи. Это ключ к развитию и осознанию ошибок. Во-первых, вы изучаете, как мастера используют цвет, свет, композицию, какие техники применяют. Знание этих приёмов помогает избежать глупых клише и сделать свою работу уникальной. Во-вторых, анализ референсов помогает лучше понимать контекст. Почему тот или иной художник выбрал такой подход? Что он хотел сказать этим цветом или освещением? И наконец, вы просто расширяете кругозор. Даже если вы не копируете чужую работу, вы учитесь видеть по-новому. Каждый анализ помогает понять, как вы можете сделать свой стиль сильнее и интереснее. Анализировать работы других художников — это неотъемлемая часть роста. Вы не просто смотрите на картины, а учитесь у мастеров. Это как учёба у тех, кто уже прошёл этот путь. Это позволяет понять, что работает, а что не очень. Например, почему у одного художника свет падает так интересно, а у другого — банально. И вы начинаете это чувствовать, применяя на своих работах. Конечно это также расширяет горизонты. Видеть, как разные художники по-разному могут подходить к одной теме — это вдохновляет.

Кроме того, через анализ мы понимаем, что стоит за каждой деталью. Это как разгадывание головоломки. Увлекательный и затягивающий процесс. Анализ работ других художников помогает развить свой собственный стиль, обогатить его новыми идеями. Это как получать ментальные инструменты, которые помогут вам стать лучше.

  Копии - один из классных способов учиться у любимых художников. Пытаясь повторить их манеру, вы разгадываете последовательность работы изнутри. На примере выше - учебные копии с фрагментов картин художников Сергея Колесова и Андрея Сурнова.  

Когда выбираете фото-референсы для живописи, важно обращать внимание на несколько ключевых моментов, чтобы ваша работа не стала просто копией, а ожила на холсте.

Освещение. Это, наверное, главное. Свет и тени определяют атмосферу картины. Обращайте внимание, как свет падает на объекты — это поможет вам создать нужное настроение и объем. Ищите фото с интересными световыми акцентами, контрастами. Они могут добавить динамики и глубины вашей работе.

    Работа Fatima Mandouh и пример референса, который подойдет за основу подобной картины. Автор умело усиливает сильные черты референса, делая небо сочнее и добавив динамики в облака.  

Композиция. Подумайте, как элементы на фото размещены в кадре. Где композиционный центр? Где пустое пространство и зона отдыха? Хорошо сбалансированная композиция на референсе может дать вам идеи для структуры вашей работы и помочь избежать хаоса.

  Нижняя треть работы наполнена деталями, яркое облако, усиленное цветовыми акцентами, становится точкой фокуса для зрителя. Оставшиеся две трети работы занимает простое, мягкое небо, поддерживающее баланс в композиции. Работа студентки Ксении Юрьевой, курс Цифровая живопись.  

Цвет. Это тоже критически важно. Цвета на референсе могут быть источником вдохновения для вашей палитры. Особенно обратите внимание на то, как разные оттенки взаимодействуют друг с другом. Иногда неожиданные сочетания могут дать интересный результат.

  Приглушенная холодная гамма с акцентом в виде красного света, работа Patricio Betteo  

Текстуры и детали. Если вы работаете с определённой поверхностью, текстурой или тканью, обращайте внимание на то, как она отображается на фото. Это поможет вам передать натуралистичность.

  Мастерская работа с текстурами в картине художницы Lea Pinto  

Ракурс и перспектива. Задумайтесь, с какого угла вы хотите показать объект или сцену. Фото с интересной перспективой может добавить вашей работе глубины и динамики. Так что выбирайте референсы с интересными ракурсами.

    Статичная и динамичная перспектива в работах Yun Ling  

В общем, выбирайте фото, которое вдохновляет, и которое помогает вам раскрывать ту атмосферу и эмоции, которые вы хотите передать в живописи.

 

Шаг 2: Создание чёрно-белого наброска

Цвет — это важно, но не спешите начинать с него. Сначала создайте тональную композицию.

 

Как это сделать:

1. Нарисуйте эскиз сцены, используя только три тона: светлый, средний и тёмный.
2. Определите, где будут основные источники света и тени.
3. Убедитесь, что композиция читается даже без цвета.

  Тональные эскизы. Работа студентки Соломоновой Дарьи. Тон в живописи — это одна из самых важных вещей, потому что именно он определяет объём и глубинувашей работы. Если вы не проработаете тон, картинка будет плоской, как картон. Тон помогает понять, где находятся светлые и тёмные участки, и как они взаимодействуют друг с другом, чтобы создать освещенность и тени. В общем, если тон не продуман, вся композиция может потерять свой смысл и атмосферу.

При создании тонального наброска в цифровом рисунке всё начинается с базовых шагов, и они могут быть разными в зависимости от того, что вы хотите получить в итоге.

Основной тональный слой. Сначала выбираем нейтральный цвет, обычно серый, и начинаем накидывать общие светлые и тёмные участки. Это своего рода карта, которая помогает определить, где будет свет, а где тени. Сильно не вникайте в детали, просто расставьте основные тоновые блоки.   Пример тональных набросков, с использованием 3-4 тонов. Кстати, такие упражнения мы выполняем на курсе Цифровой живописи :)   Определение источника света. Тональный набросок помогает чётко понять, откуда идет свет. Это важно, потому что, зная направление света, вы сможете точно расставить тени и блики, чтобы картинка не была "размыта". Определите, с какой стороны свет и поэкспериментируйте, как это будет выглядеть в общих чертах.     Контрасты и яркость. Важно, чтобы ваш набросок не был серым и скучным. Играйте с контрастами. На тёмных участках усиливайте тень, а на светлых — делайте блики более яркими. Это поможет создать глубину и избежать плоскости. Форма и структура. Работая с тоном, вы начинаете понимать, как будет восприниматься форма объекта в пространстве. Смотрите, как тени формируют его очертания и добавляют деталям глубину.    

Когда вы сделаете тональный набросок, вы уже будете точно знать, где будет свет, где тень. Это как каркас, на который потом можно накладывать все остальные детали: цвета, текстуры, финальные штрихи. Без этого этапа рисунок будет выглядеть плоским, даже если вы добавите много мелочей. Тон — это то, что делает ваш рисунок живым.

 

Шаг 3: Цветовые заливки

Когда вы уже сделали тональный набросок, пора переходить к цвету. Это, конечно, важный этап, но его стоит начинать с основ, чтобы не утонуть в хаосе оттенков. Давайте разберёмся, как не запутаться и начать уверенно.

Определитесь с цветовой температурой. Первым делом стоит решить, какой общий климат будет у картины: тёплый или холодный? Это задаст направление для всей палитры. Если работа будет с ярким светом, солнцем или уютной атмосферой — скорее всего, подойдут тёплые тона: оранжевый, жёлтый, красный. Если вы хотите создать более холодное или драматичное настроение — выбирайте холодные оттенки, например, синие, фиолетовые, серые.  

В пейзаже Andreas Rocha совмещается теплая и холодная гамма, потому что мы смотрим на замок  в закатных лучах солнца. Однако сине-сиреневая холодная гамма преобладает над теплой.

  Выберите доминирующий цвет. После того как определились с температурой, выберите один цвет, который будет главным в картине. Это может быть цвет основного объекта или фона. Доминирующий цвет создаёт настроение и композиционную целостность. Допустим, если вы рисуете закат, возможно, ваш доминирующий цвет будет оранжевым или красным, а все остальные оттенки будут работать в его поддержку.  

Вот отличный пример - спидпеинт от художника Jordan Grimmer. Желтый цвет - доминирующий, он притягивает внимание и удерживает его на силуэте далеких скал. Пока вокруг происходит разномастное перетекание цветов друг в друга, желтый организует пространство .

  Создание палитры. Теперь, когда у вас есть основное направление, нужно составить палитру. Это не должно быть что-то очень сложное, главное — найти гармонию между цветами. Например, если у вас тёплый основной цвет (например, оранжевый), добавьте несколько его оттенков и дополните их контрастами с холодными цветами (например, синим или зелёным). Это даст нужный баланс. Подбор оттенков для теней и света. Важно помнить, что тени и свет тоже имеют свой цвет. Можно оттолкнуться от общего колорита и температуры света. Если свет тёплый - делаем тени холоднее, и наоборот. Не бойтесь немного увеличить насыщенность цвета в тени, это сделает их глубже и чище. Помните, что тени и свет должны быть не просто темнее и светлее, а гармонично вписываться в общую палитру. Палитра по ограниченному числу цветов. Один из способов не растеряться — ограничить количество цветов в палитре. Например, работать с тремя основными цветами и несколькими оттенками. Это поможет сохранить картину в одной цветовой гамме, а не превратить её в хаос из ярких пятен.   Тональные и цветовые эскизы в ограниченной палитре. Работа студентки Соломоновой Дарьи, курс Цифровая живопись.   Не забываем про атмосферу. Если вы хотите, чтобы картина выглядела реалистично или передавала какую-то атмосферу, обращайте внимание на окружающий свет и рефлексы. Например, если объект находится в тёплом солнечном свете, на его тенях могут быть небольшие оттенки оранжевого или желтого, а если в тени — прохладные синие и фиолетовые.  

Окна дома светятся теплым персиковым светом. Свет от них отражается в окружающем пространстве: на кустах, стволе дерева и дорожке. Одновременно с теплыми рефлексами от домика, мы видим холодные рефлексы на нем от света луны, спрятанной за облаками. Это холодный серо-голубо-бирюзовый цвет на крыше и стенам с левой стороны. Автор Andreas Rocha .

Совет: Попробуйте сделать палитру из 5-7 ключевых цветов на основе референса. Это сэкономит время и задаст тон работе.

 

Как только вы определитесь с палитрой, можете смело переходить к заливке основных цветовых пятен, продолжая следовать тому же принципу, что и на стадии тонального наброска: светлые участки остаются светлыми, а тёмные — тёмными. Главное, не забудьте, что цвет — это продолжение света и тени, а не просто краска на холсте.

Советы для работы с цветом:

• Изучайте природу: Натуральные оттенки — лучший источник вдохновения.
• Используйте цветовые круги: Это поможет понять, какие цвета сочетаются лучше. Подробнее о них мы писали в нашей статье Основы теории цвета.
• Экспериментируйте: Иногда самые необычные комбинации работают лучше всего.

 

Шаг 4: Детализация и завершение работы

Завершение работы — это всегда ключевая часть процесса, потому что именно на этом этапе картина становится «живой». Здесь важно правильно расставить тональные и цветовые акценты, а также продумать, насколько вы хотите ввести детализацию в картину. Давайте разберём каждый момент, чтобы чётко понять, как подойти к финальной стадии.

  Тональные акценты

Когда картина почти готова, важно выделить те участки, которые должны привлекать внимание зрителя. Это делается через тональные акценты. Основываясь на общем тональном ключе картины, определитесь, как лучше подчеркнуть композиционный центр? Можно выделить ярким пятном или сделать его темнее всего окружения.

  Работы Petter Faustino Важно помнить, что акценты должны быть умеренными. Если вы покрасите всю работу в светлые или тёмные тона, потеряется вся гармония. Идея акцентов в том, чтобы выделить ключевые части работы, а не перегрузить картину.   Цветовые акценты

Теперь, когда мы определились с тональной структурой, можно добавить цветовые акценты, которые усилят восприятие. Цветовые акценты не должны быть слишком яркими или слишком насыщенными, они должны быть поддерживающими.

• Контраст с фоном: Если фон холодный, можно добавить теплоту в основные элементы — например, на объекте или персонаже. Важно, чтобы эти цветовые пятна не конкурировали с основными, а наоборот, создавали акценты, которые направляют взгляд зрителя.
• Задний план: Фон обычно делается менее насыщенным, чтобы не отвлекать внимание от основного объекта.
• Гармония: Помните, что цветовые акценты должны поддерживать основную палитру. Например, если у вас в картине много холодных оттенков, попробуйте добавить небольшие вкрапления тёплых цветов — это создаст контраст, но не будет бросаться в глаза.

  Работа Petter Faustino. Основной колорит холодный и приглушенный, но розовые и красные оттенки служат акцентом, привлекая внимание зрителя к домику на вершине холма и поддерживая разнообразие в общей палитре картины.   Детализация

Детализация — это не всегда про прорисовку каждой линии. Иногда важно сделать выбор: где стоит добавить детали, а где оставить простоту. Это помогает картине быть сбалансированной и не перегруженной. Рассмотрим детализацию на примере пейзажа от художника Renaud Perochon.

Нужные детали: Обычно на тех частях картины, где вы хотите сфокусировать внимание зрителя, стоит добавлять больше деталей. Например, если это портрет, детали лица — глаза, губы, текстура кожи — должны быть чётко прорисованы. Это даёт персонажу живость и делает его более привлекательным для взгляда. Меньше деталей на заднем плане: На заднем плане можно использовать грубо нарисованные формы, чтобы не отвлекать внимание от главного объекта. Детали на заднем плане могут быть простыми или размытыми, чтобы поддерживать фокус на композиционном центре.    

На первых этапах художник заложил основные элементы скал и воды. Задний план останется на подобном уровне, а вот ближние к нам будут уточняться. Задний план всегда второстепенный и не должен мешать переднему.

Текстуры и элементы: Текстуры (ткань, дерево, камень и т. д.) добавляют глубины картине, но важно не зацикливаться на них. Если вы будете уделять слишком много внимания каждой складке ткани, рисуя её с невероятной детализацией, вы рискуете потерять естественность работы. Лучше работать с текстурами сдержанно, чтобы не нарушить общий баланс проработки изображения.     Финишные штрихи: Когда всё в целом готово, последний штрих — это добавление финальных акцентов: лёгкие блики на деталях, мелкие штрихи, которые помогают завершить работу. Например, можно добавить блеск на глазах или металлических поверхностях, в зависимости от того, что изображено на картине.     В целом, завершение работы — это не только добавление деталей, а больше про то, чтобы расставить акценты и гармонично завершить картину. Сделайте так, чтобы внимание зрителя шло туда, куда вы хотите, и чтобы картина не перегружалась излишними деталями. Это баланс между простотой и сложностью, между чёткостью и мягкостью.

Убедиться, что работа завершена, — это как пройти финишную черту, но перед этим нужно тщательно проверить все детали. Иногда художники могут продолжать добавлять штрихи и правки до бесконечности, но важно знать, когда остановиться.

 

А чтобы точно определиться, завершена ли работа, мы приготовили небольшой чек-лист для завершения рисунка:

Проверьте композицию:

• Все ли элементы на своих местах?
• Ощущается ли гармония между различными частями рисунка?

Оценка светотени:

• Все ли тени логичны?
• Есть ли объём, и свет распределён по объектам правильно?

Проверка цветовых акцентов:

• Цвета гармонируют друг с другом?
• Цветовые акценты подчёркивают важные детали?

Детализация:

• Где требуется, добавлены ли нужные детали?
• Местами, где это необходимо, есть ли сдержанная детализация фона или менее важных частей?

Общий стиль и атмосфера:

• Держится ли общий стиль картины?
• Есть ли ощущение завершенности и целостности работы?

Рефлексия:

• Пройди несколько шагов назад и оцените работу в целом. Можете ли вы выделить те моменты, которые могут быть улучшены?
• Подходит ли картина к своей концепции или теме? Всё ли, что вы хотели передать, в ней отражено?

 

Если вы можете ответить «да» на большинство из этих пунктов, ваша работа скорее всего завершена! Но всегда полезно сделать небольшой перерыв и вернуться к картине позже — свежий взгляд часто помогает заметить что-то важное, что вы могли пропустить в процессе работы.

 

Заключение

Цвет в цифровой живописи — это мощный инструмент, который помогает передать эмоции и сделать вашу работу запоминающейся. Не бойтесь экспериментировать, учиться у природы и вдохновляться другими художниками. И помните: в искусстве нет жёстких правил, только направления, которые вы можете изменить по своему усмотрению.

 

Уроки

  Ну а теперь, давайте применим знания на практике! На примере написания простого пейзажа разберем последовательность работы от пятна, и бонусом приоткроем завесу тайны использования микс-кистей! (на самом деле не такая уж и тайна, но обо всем по порядку) Этап 1. Цветная подложка и первые крупные цветовые пятна. Конечно, любой этюд начинается с референса, и для себя я выбрала этот. В нем разнообразный ландшафт, есть камни, вода, зелень, а также точка интереса - домик на среднем плане.     Я не люблю начинать работу с белого холста. он ярко слепит глаза и мешает правильному восприятию цвета и тона. Потому скорее закрашиваю холст каким-нибудь цветом. Обычно, для подложки я беру цвета противоположные основной гамме будущего рисунка, или дополняющие ее. Это интуитивно, выбирайте цвет подложки на свой вкус. В этот раз я начала с приглушенного оттенка оранжевого, мне хотелось чтобы он просвечивал сквозь холодное небо и зелень. Поверх работаю крупными мазками текстурной кисти. Стараюсь оставлять просветы, чтобы подложка слегка виднелась.   Оранжевая подложка и первые цветовые пятна   Затем я добавляю средние пятна. Холодные тени на холме и светлые камни. На данном этапе мы постепенно усиливаем контраст.     Этап 2. Добавляем цвета На этом этапе я экспериментирую с кистями и ввожу больше цветового разнообразия. В ход идут различные текстурные кисти и параметр “динамика цвета”. Этот параметр в настройках кисти позволяет “рандомизировать” цвет мазка. В зависимости от того, насколько сильно вы выкрутите ползунки динамики цвета, ваши цвета могут стать более пестрыми и случайными. Экспериментируйте с этой настройкой и разными текстурными кистями. Но! Во всем важна мера, и на данном этапе наша задача добавить разнообразия, не потеряв общей гаммы и тональности картины.     Этап 3. Уточнение картины и знакомство с Mixer brush Следующим этапом я немного “собираю” картину обратно, разбирая весь хаос наведенный в предыдущем шаге. Наши цветовые пятна, добавленные ранее, служат отличной основой для включения инструмента микс-кисть в работу.   Делаем изображение целостнее Что такое Mixer brush/Микс кисть? Микс кисть, это необычная вариация инструмента Кисть в Photoshop. Основное отличие в том, что “пипеткой” кисть берет не просто цвет с определенной зоны, а небольшой фрагмент этой зоны. А также, в зависимости от параметра Влажности и Смешивания, эта кисть не только пишет, но и смешивает цвета вокруг себя.   В верхней панели вы можете увидеть разнообразные настройки этого инструмента.     На этой схеме видно, как различные параметры влияют на смешивание цветов. Сухая кисть не захватывает цвет с голубого прямоугольника. Если краски мало, мазок постепенно бледнеет. Если параметр смешивания и влажности высокий, то кисть не только оставит цветной мазок, но и захватит все соседние цвета. Экспериментируйте с настройками этого инструмента, чтобы подобрать наиболее удачные параметры для своих нужд.   Микс кисть создает эффект, похожий на масляную живопись   Микс кистью, по сути, может стать любая кисть в вашем наборе. Просто выберете этот инструмент и свою любимую кисть. А затем пипеткой (клавиша ALT) нажмите на какой-нибудь фрагмент вашей картины и попробуйте нанести несколько мазков. Чтобы сделать мазок микс кистью еще интереснее - увеличьте интервал между отпечатками кисти.   На примере стандартной круглой кисти   Раскрываем потенциал микс кисти   Этап 4. Проработка и детализация. После работы микс кистью я снова возвращаюсь к обычным кистям, добираю контраста и уточняю цвета.   Продолжаем уточнять   Наша работа движется к завершению. Я использую как обычные, так и микс кисти для проработки картины, стараясь соблюдать баланс между этими инструментами. Мне показалось, что небу не хватает разнообразия, так что микс кистью я делаю волнообразные мазки. Обычной кистью добавляю мелкие детали и камни, микс кистью немного размываю границы мазков.   Почти готово…  

Этап 5. Расстановка акцентов и завершение работы

На финальном этапе немного отстраняемся от картинки и смотрим на нее в целом. Вспомните наш чек-лист выше. Я решила немного затемнить небо кверху, чтобы добавить глубины. Для разнообразия, на границе холма добавила тонкие мазки бирюзового и персикового цвета, а также мелкие мазки тех же цветов на поляне (потому что просто прикольно :). На переднем плане добавляю немного блеска воды, а на дальнем смягчаю тонально холм за домиком.   Работа завершена!   Небольшой лайфхак: если вы хотите, чтобы текстуры мазков были сильнее заметны, используйте фильтр Резкость в конце работы. В своих картинах я часто использую этот эффект.   Фрагмент работы   Ну и бонусом, держите пару советов, как классно настроить микс кисть.

• Используйте текстурную кисть. Необычный по форме отпечаток кисти сам по себе добавляет разнообразия инструменту.
• Чтобы текстура была еще заметнее - можно увеличить интервалы между отпечатками кисти. Это делается в настройках кисти > форма отпечатка кисти.
• Старайтесь брать пипеткой пёстрые пятна. Как своеобразную палитру вы можете использовать не только собственную картинку, но и изображения из интернета, подобрав фрагменты в нужной цветовой гамме.

  Надеюсь, этот урок был интересным и полезным для вас. Помните, что каждый мазок, который вы кладете на холст, — это шаг к совершенствованию вашего мастерства. Не бойтесь экспериментировать, изучать новые техники и вдохновляться окружающим миром.